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Basma Alsharif es una artista visual que usa imágenes fijas y en movimiento, sonido, y lenguajes, para explorar el individuo anónimo en relación con la historia política y la memoria colectiva. Nació en 1983 en Kuwait, recibió su MFA de la escuela de Arte y Diseño de la Universidad de Illinois en Chicago en 2007 y ha estado trabajando en Cairo, Beirut, y Amman desde entonces. Su trabajo se ha mostrado en exhibiciones y festivales de cine internacionales incluyendo el 17th SESC Videobrasil, Forum Expanded: Berlinale, Images Festival Ontario donde recibió el Marion McMahon Award, Manifesta 8 The Region of Murcia, The Yamagata International Documentary Film Festival, The 9th Edition of the Sharjah Bienniale donde recibió el premio del jurado por su trabajo, Toronto International Film Festival, y se le otorgó el Fundation Marcelino Botín Visual Arts Grant in 2009-2010.

Basma Alsharif is a visual artist using moving and still images, sound, and language, to explore the anonymous individual in relation to political history and collective memory. Born 1983 in Kuwait, she received an MFA from the School of Art and Design at the University of Illinois, Chicago in 2007 and has been working in Cairo, Beirut, and Amman since then. Her work has shown in exhibitions and film festivals internationally including the 17th SESC Videobrasil, Forum Expanded: Berlinale, Images Festival Ontario where she received the Marion McMahon Award, Manifesta 8 The Region of Murcia, The Yamagata International Documentary Film Festival, The 9th Edition of the Sharjah Bienniale where she received a jury prize for her work, the Toronto International Film Festival, and she was awarded the Fundación Marcelino Botín Visual Arts Grant in 2009-2010.

Cana Bilir-Meier vive y trabaja en Munich (Alemania) y Viena (Austria). Estudió medios/arte digital(es) y cine y educación en arte en la Academy of Fine Arts en Viena y en Sabanci University en Istanbul (Turquía). Trabajó como cineasta y artista y en proyectos de arte y cultura educativa. Sus trabajos basados-en textos, fílmicos, y performatives, se mueven a la interface entre trabajos de archivo, producción textual, investigación histórica, y medios contemporáneos reflexivos, o arqueología.

Cana Bilir-Meier lives and works in Munich (DE) and Vienna (AT). She studied digital media/art and film and art education at the Academy of Fine Arts in Vienna and at Sabancı University in Istanbul (TR). She works as a filmmaker and artist and in art and culture education projects. Her filmic, performative, and text-based works move at the interfaces  between archival work, text production, historical research, and contemporary media reflexivity or archaeology.

Guillaume Cailleau nacido en Francia 1978 y actualmente vive en Berlín. Su trabajo varia de película de 16mm a video HD a instalaciones multimedia y performance. Hace investigaciones de procesos y eventos cotidianos con la intención de exponer detalles que tienden a no ser vistos pero que pueden ser muy reveladores si son aislados y trasladados a otros contextos, la de una galería, un museo, un teatro. Es miembro del colectivo LaborBerlin, devoto de preservar y desarrollar las posibilidades creativas del formato de la película de celuloide y el proceso DIY, también forma parte de Hanna’s Atelier for for Sonorous Arts Ljubljana (Slovenia), una institución que promueve y hace investigaciones en formas de arte auditivas. También colabora con diferentes coreógrafos y perfomanceros, haciendo video para el escenario. Su trabajo ha sido mostrado mundialmente en festivales de cine (incluyendo Berlín, New York, Rotterdam Intl Film Festival) y museos (Centre Pompidou en Paris, Royal Ontario Museum in Toronto). Febrero 2014, ganó el Oso de Plata, Premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Berlín con su corto LABORAT.

Guillaume Cailleau was born in France 1978 and based in Berlin. His works range from 16mm film and HD video to multimedia installations and performance. He researches common everyday processes and occurrences with the intent to expose details that tend to be overlooked but can be very revealing if isolated and transposed into another context, that of a gallery, a museum or a theatre. He is a member of the collective LaborBerlin, devoted to preserving and developing the creative possibilities of the celluloid film format and DIY processing, as well as Hanna’s Atelier for Sonorous Arts Ljubljana (Slovenia), an institution promoting and researching sound based art forms. He also cooperates with several choreographers and performers, creating video for the stage. His work has been shown worldwide in Film festivals (including Berlin, New York, Rotterdam Intl Film Festival) and museums (centre pompidou in Paris, Royal Ontario Museum in Toronto). February 2014, he won the silver bear, Prize of the Jury at the International Berlin Film Festival with his short Film LABORAT.

Alejandra Carrillo-Estrada es una artista interdisciplinaria que creció en la frontera de Estados Unidos – México de El Paso Texas y Ciudad Juárez. En 2009, recibió su BFA de la Universidad de Texas en El Paso, se graduó cum laude y tiene un MFA de la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign en 2018.  Ha participado en estancias, residencias, y talleres en todo Estados Unidos y a exhibido nacional e internacionalmente. Su experiencia como administradora de arte público reforzó su compromiso de crear arte que trata conflictos raciales, justicia social, y derechos de migrantes y refugiados. Actualmente, vive y trabaja en su ciudad natal con un compromiso de tratar conflictos fronterizos a través del lente la joyería y el arte contemporáneo. Su trabajo puede ser visto en akiceri.com y en Instagram @ale_akiceri.

Alejandra Carrillo-Estrada is an interdisciplinary artist who grew up on the U.S.-Mexico border of El Paso, Texas and Cd. Juárez, Mexico. In 2009, she received a BFA from the University of Texas at El Paso, graduating cum laude and an MFA from University of Illinois at Urbana-Champaign in 2018. She has participated in internships, residencies, and workshops throughout the country and has exhibited nationally and internationally. Her background as a public art administrator reinforced her commitment to create art that addresses issues of racial and social justice and migrant and refugee rights. Currently, she lives and works in her hometown and is committed to addressing border issues through the lens of contemporary jewelry and art. Her work can be viewed at akiceri.com and she can be followed on instagram as @ale_akiceri.

Jeamin Cha participó en numerosas exhibiciones en grupo y festivales, que incluyen Film en Lincoln Center, New York; Barcelona Museum of Contemporary Art; National Museum of Modern y Contemporary Art, Seoul; Berlin International Film Festival; Gwangju Biennale; Seoul Museum of Art Biennale Mediacity; Jeonju International Film Festival; Ilmin Museum of Art, Seoul; DOOSAN Gallery, New York, Seoul; Institute of Contemporary Art en la University of Pennsylvania, Philadelphia; y Kukje Gallery, Seoul. El trabajo de Cha ha sido incluído en colecciones públicas del National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul; y KADIST, San Francisco.

Jeamin Cha participated in numerous group exhibitions and festivals, including Film at Lincoln Center, New York; Barcelona Museum of Contemporary Art; National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul; Berlin International Film Festival; Gwangju Biennale; Seoul Museum of Art Biennale Mediacity; Jeonju International Film Festival; Ilmin Museum of Art, Seoul; DOOSAN Gallery, New York, Seoul; Institute of Contemporary Art at the University of Pennsylvania, Philadelphia; and Kukje Gallery, Seoul. Cha’s work has been included in public collections of National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul; and KADIST, San Francisco.

Heinz Emigholz (1948, Alemania) fue entrenado cómo dibujante, antes de estudiar filosofía y literatura en Hamburgo. Actualmente trabaja como cineasta, actor, artista, escritor y productor en Alemania y Los Estados Unidos. En 1978, fundó su propia productora, Pym Films. Todos sus trabajos son parte del mismo proceso creativo, y en consecuencia, a veces tienen títulos similares. Muchos de sus trabajos los han puesto en series. Actualmente, Emigholz tiene una gran obra de arte y seguido hace film arquitectónicos, aunque a veces el límite entre estas dos expresiones es vaga. También enseña cine experimental en Berlín y en Suiza.

Heinz Emigholz (1948, Germany) was trained as a draftsman, before studying philosophy and literature in Hamburg. He works as a filmmaker, actor, artist, writer and producer in Germany and the United States. In 1978, he founded his own production company, Pym Films. All his works are part of the same creative process, and sometimes have similar titles as a result. Many of his titles have been placed in series. By now, Emigholz has a large œuvre of art and often architectural films, although frequently the boundary between these two expressions is vague. He also teaches experimental film in Berlin and Switzerland.

Harun Farocki (German filmmaker) began making films in the late 1960s amid a highly politicized cultural milieu. Citing the influence of such Marxist cultural practitioners as theater director Bertolt Brecht, philosopher Theodor Adorno, and film director Jean-Luc Godard, Farocki consistently addressed two principal subjects: the practices of labor and the production of images.

Harun Farocki (cineasta aleman) comienza a hacer cine a finales de los 60’s en medio de una cultura muy politizada. Citando la influencia de tales practicantes de la cultura Marxista cómo el director Bertolt Brecht, el filósofo Theodor Adorno, y el director de cine Jean-Luc Godard, Farocki consistentemente trató dos temas principales: las prácticas de trabajo y la producción de imágenes.

Mariah Garnett mezcla documenta, narrativa y practicas de cine experimental para hacer un trabajo que llega a gente y comunidades que existen más allá de su experiencia inmediata. Usando material de origen que va desde texto encontrado hasta su propio padre, Garnett a menudo se inserta en sus propios filmes, creando alegorías cinematográficas que codifican y localizan la identidad. Sus películas deconstruyen la jerarquía convencional entre el director y el sujeto, un modo que históricamente ha competido a los directores que económicamente, racial, y en términos de género han sido privilegiados. Al incluir su propia imagen, Garnett posiciona su queerness en relación al tema tratado que en la superficie parece disconexo de la identidad LGTB. Los trabajos de manera simultánea reconocen un deseo natural de contacto con los otros, y los legados de abuso y ‘otredad’ que circulan la mediación de ese deseo a lo largo de la historia. De esta forma, Garnett crea un espacio en sus filmes donde más de una sola cosa puede ser verdad. Ella tiene un MFA de Calarts en Film/Video y un BA de Brown University en Civilización Americana. Es 2019 Guggenheim fellow y su trabajo ha sido exhibido en New Museum (NY), Metropolitan Arts Centre (Tate Belfast), BFI London Film Festival, New York Film Festival y the Hammer Museum (LA). Ella vive y trabaja en Los Ángeles.

Mariah Garnett mixes documentary, narrative and experimental filmmaking practices to make work that accesses existing people and communities beyond her immediate experience. Using source material that ranges from found text to her own father, Garnett often inserts herself into the films, creating cinematic allegories that codify and locate identity. Her films deconstruct the conventional hierarchy between filmmaker and subject, a mode that has historically been the purview of directors who are economically, racially and gender privileged. She holds an MFA from Calarts in Film/Video and a BA from Brown University in American Civilization. She is a 2019 Guggenheim fellow and her work has been exhibited and screened internationally at venues including the New Museum (NY), Metropolitan Arts Centre (Tate Belfast), BFI London Film Festival, New York Film Festival and the Hammer Museum (LA). She lives and works in Los Angeles.

John Greyson (nacido en Marzo 13, 1960) es un director canadiense, escritor, video artista, productor, y activista politico, y su trabajo trata frecuentemente con temáticas gay. Greyson es profesor de la escuela de cine en la Universidad de York, donde enseña cine y teoría del video, producción cinematográfica, y edición. Fue parte de un grupo de cineastas que emergieron en los 80s en Toronto y fueron conocidos como Toronto New Wave.

John Greyson (born March 13, 1960) is a Canadian director, writer, video artist, producer, and political activist, whose work frequently deals with gay themes. Greyson is also a professor at York University’s film school, where he teaches film and video theory, film production, and editing. He was part of a loosely-affiliated group of filmmakers to emerge in the 1980s from Toronto known as the Toronto New Wave.

Takahiko Iimura nació en Tokio en 1937. Después de graduarse del departamento de leyes en la Universidad Keio en 1959, comenzó a hacer películas experimentales. Con la ayuda de figuras como la artista de performance Yoko Ono, el pintor Genpei Akasegawa, el compositor Takehisa Kosugi, el bailarín Tatsumi Hijikata, Iimura produjo sus 8 and 16 mm películas de vanguardia. Formando “Film Independents”, un grupo de film experimental, en 1964, él organizó el primer festival de cine experimental independiente en la historia de Japón. Su película AI (Love) de 1965 fue muy aclamada por Jonas Mekas, un reconocido líder de la escena de cine experimental de Nueva York. En 1969, Iimura comenzó a hacer video arte, presentando solo shows en Museo Whitney en 1979, ganando una reputación internacional como artista del video. Entre sus trabajos más notables están Observed/Observed (1975), AIUEONN SIX FEATURES (1993), Y Seeing / Hearing / Speaking (2001). Él también a publicado muchos libros, incluyendo Geijutsu to hi-geijutsu no aida (Entre el arte y el no-arte) [San-ichi Publishing, 1970], y Eizo jikken no tame ni (Para la experimentación visual) [Seidosha, 1986]. Recibió el Japan Media Arts Festival Special Achievement Award en 2015.

Takahiko Iimura was born in Tokyo in 1937. After graduating from the law department at Keio University in 1959, he began making experimental films. With the help of figures such as performance artist ONO Yoko, the painter AKASEGAWA Genpei, the composer KOSUGI Takehisa, and the Butoh dancer HIJIKATA Tatsumi, IIMURA produced his own 8 and 16 mm avant-garde films. Forming the “Film Independents”, an experimental film group, in 1964, he organized the first independent, experimental film festival in Japanese history. His 1965 film AI (Love) was highly acclaimed by Jonas MEKAS, a leading light in New York’s experimental film scene. In 1969, IIMURA shifted to video art, holding solo shows and performances at the Museum of Modern Art, New York in 1974 and the Whitney Museum in 1979, and gaining an international reputation as a video artist. Among his most notable works are Observer / Observed (1975), AIUEONN SIX FEATURES (1993), and Seeing / Hearing / Speaking (2001). He has also published many books, including Geijutsu to hi-geijutsu no aida (Between Art and Non-Art) [San-ichi Publishing, 1970], and Eizo jikken no tame ni (For Visual Experimentation) [Seidosha, 1986]. Japan Media Arts Festival Special Achievement Award in 2015.

Young Joo Lee (n. 1987 Seúl, Corea) encuentra inspiración en sus sueños, historias personales y políticas para crear esculturas, dibujos, y piezas performatives. Sus recientes videos animados son una compilación de estos medios, los cuales reflejan la estructura de un pergamino para poder llevar al espectador en un viaje imaginario. Su trabajo es un vistazo a cómo nuestros medios ambientes no solo están fuera de nosotros sino cómo verdaderamente alteran nuestra percepción total informando nuestras identidades personales. Ella vive y trabaja en Los Ángeles. Tiene un BFA en pintura de Hongik Arts University, Corea, un Meisterschülerin en cine de Städelschule, Frankfurt Germany, y un MFA en escultura de la universidad de Yale. Ha exhibido su trabajo nacional e internacionalmente. Lee es actualmente Collage Fellow en Media Practice en la Universidad de Harvard y está afiliada a la Concentración de Teatro, Danza, y Nuevos Medios.

Young Joo Lee (b. 1987 Seoul, Korea) finds inspiration in her dreams, personal and political histories to create sculptures, drawings, and performative pieces. Her recent animation videos are a compilation of these mediums, which reflect the structure of a scroll in order to take the viewer on an imagined journey. Her work is glimpse into how our environments are not only outside of us but how they truly alter our perception as a whole, informing our personal identities. She lives and works in Los Angeles. She earned a BFA in painting from Hongik Arts University, Korea, a Meisterschülerin in Film from Städelschule, Frankfurt Germany, and an MFA in Sculpture from Yale University. She has exhibited her work nationally and internationally. Lee currently is a College Fellow in Media Practice at Harvard University and is affiliated with Theater, Dance and Media concentration.

Sejin Kim received MFA in Fine Art from Slade School of Fine Art in London and MA inFilm/TV from Sogang University in Seoul. She works with a variety of media apparatuses, including documentary ealism and cinematic language to explore various and perplexing relationships between individuals and contemporary society systems. This will chronicle the anxiety and fear, loneliness and alienation, conflict and confusion, and such conditions an individual endures in trying to negotiate his/her existence and identity in a society that sustains itself by placing limitations on its members.

Sejin Kim recibió su MFA en Bellas Artes de Slade School of Fine Art en Londres y un MA en cine/TV de Sogang University en Seúl. Trabaja con una variedad de aparatos mediáticos, incluyendo documental realista y lenguaje cinematográfico para explorar varias relaciones perplejas entre individuos y sistemas sociales contemporáneos. Esto es una cronología de la ansiedad y el miedo, la soledad y la alienación, conflicto y confusión, y las condiciones que un individuo tiene que resistir para negociar su existencia e identidad en una sociedad que se sostiene asimisma al imponer limites a sus miembros.

Miaoyuan LONG es un productor, director, y cinematógrafo, MFA en Creative Media y una licenciatura en Administración. Cineasta del cross-media y del cross-region. Fundador de Strory Farm Productions, la cual está dedicada a la creación de medios interdisciplinarios. Su trabajo ha sido seleccionado y/o premiado en muchos festivales de cine y bienales.

Miaoyuan LONG is a producer, director, cinematographer, MFA in Creative Media and Bachelor of Management. Cross-media and cross-region filmmaker. Founder of Story Farm Productions, which dedicated to interdisciplinary media creation. His works were selected and/or awarded by many international film festivals and biennales.

Zen LU es un músico experimental/electrónico, artista de sonido, fundador de We Play! Records y Neo Sound new art group y curador de eventos. Es uno de los fundadores de ChoP, un projecto músical entre China y Polonia. También es miembro de N2 New Media Art Lab.

Zen LU is an experimental/electronic musician, sound artist, founder of We Play! Records and Neo Sound new art group and events curator. He’s one of the founders of ChoP, a musical project between China and Poland. He is also a member of N2 New Media Art Lab.

Bertrand Mandico ha trabajado en muchas instituciones de arte y dirigido muchos cortometrajes y recibido premios de festivales de cine internacional. Mientras que continua con su proyecto de dirigir 21 cortos en 21 años con la actriz Elina Löwensohn, dirigió The Wild Boys, su primer largometraje en 2017. En 2018, su cortometraje Ultra Pulpe (Apocalypse After) tuvo una muestra especial en Cannes en la 57th Semaine de la Critique.

Bertrand Mandico has worked for several art institutions and directed many short films selected and awarded in international film festivals. While continuing his project of directing 21 shorts in 21 years with actress Elina Löwensohn, he directed The Wild Boys, his debut feature film in 2017. In 2018, his short film Ultra Pulpe (Apocalypse After) had a special screening in Cannes for the 57th Semaine de la Critique.

Granaz Moussavi quien es Iraní-Australiana y poeta contemporánea, directora, y guionista. Es principalmente conocida por sus renombrada poesía vanguardista en los 90s.

Granaz Moussavi is an Iranian-Australian contemporary poet, film director and screenwriter. She is primarily renowned for her avant-garde poetry in the 90s.

Barbara McCullough (nacida 1945) es una directora, productora administrativa y artista de efectos visuales a la que su trabajo de dirección se le asocia con el cine independiente negro de la escuela de Los Ángeles. Es muy conocida por su trabajo Water Ritual #1: An Urban Rite of Purification (1979), Shopping Bag Spirits and Freeway Fetishes: Reflections on Ritual Space (1980), Fragments (1980), y World Saxophone Quartet (1980).

Barbara McCullough (born 1945) is a director, production manager and visual effects artist whose directorial works are associated with the Los Angeles School of Black independent filmmaking. She is best known for Water Ritual #1: An Urban Rite of Purification (1979), Shopping Bag Spirits and Freeway Fetishes: Reflections on Ritual Space (1980), Fragments (1980), and World Saxophone Quartet (1980).

Sung Nam HAN es directora de Art in Country de Tokio. (AICOT) e Interdisciplinary Art Festival Tokyo (IAFT), Sun Nam HAN hace su trabajo artístico basada en el tema de “Qué es ver un video”, como instalaciones interactivas hechas a través de un fondo azul como método de edición llamado keying, trabajos de video portables/de bolsillo que utilizan celulares, pequeñas cámaras, o monitores. También exhibió trabajos AR y ha hecho performances de arte enfocados en el concepto de ‘super linear’ que combinan video, juego, y danza. Sus actividades cubren un área diversa.

Sung Nam HAN is director of Art in Country of Tokyo (AICOT) and Interdisciplinary Art Festival Tokyo (IAFT), Sung Nam HAN makes her artworks based on the theme of “What watching a video is,” such as interactive art installations made through a blue background editing method known as keying, wearable / pocketable video works that utilizes smartphones, small cameras or monitors. Also she exhibited AR works and doing art performances focus on the concept of “super linear” that combine video, play and dance. Her activities cover a wide range of areas.

Shuhei Nishiyama. Sus trabajos son producidos al romper un mundo visualizado basado en una teoría de videos y representado a través de ideas del medio sobre el video. Hace sus trabajos al cortar sus videos y audios en pedazos de un pixel y cada cuadro para reorganizar el tiempo y el espacio. Hace instalaciones, videos de un solo canal, y performances en vivo en Japón y en otros lugares.

Shuhei Nishiyama. His works are produced by breaking up the visualized world based on a theory of videos and represented through the media’s ideas on videos. Makes the works that cut videos and audios into pieces by one pixel and every frame to reorganize time and space. Makes installations, single-channel videos, and live-performance works both in Japan and abroad.

Jaakko Pallasvuo (1987) vive y trabaja en Helsinki, Finlandia. Pallasvuo hace videos, textos, performances e instalaciones que exploran las ansiedades de estar vivos en estos momentos, y la posibilidad de vivir en algún futuro posible.

Jaakko Pallasvuo (1987) lives and works in Helsinki, Finland. Pallasvuo makes videos, texts, performances and installations that explore the anxieties of being alive now, and the prospect of living in some possible future.

Miko Revereza is a filmmaker based in Manila, Philippines. His upbringing as an undocumented immigrant in the United States informed many of his films; DROGA! (2014), DISINTEGRATION 93-96 (2017), No data plan (2018) and Distancing (2019). Miko’s films have been widely screened and exhibited internationally at festivals such as Locarno Film Festival, International Film Festival Rotterdam, Yamagata International Documentary Film Festival, NYFF Projections and Film Society of Lincoln Center’s Art of the Real. He is listed as Filmmaker Magazine’s 2018 25 New Faces of Independent Cinema. He is a 2019 Flaherty Seminar artist and recent Bard MFA graduate.

Miko Revereza es un cineasta basado en Manila, Filipinas. Su formación como un migrante indocumentado en los Estados Unidos informó muchas de sus películas; DROGA! (2014), DISINTEGRATION 93-96 (2017), No data plan (2018) and Distancing (2019). Sus películas han sido mostradas internacionalmente en festivales como Locarno Film Festival, International Film Festival Rotterdam, Yamagata International Documentary Film Festival, NYFF Projections and Film Society of Lincoln Center’s Art of the Real. Está en la lista de las 25 nuevas caras del cine independiente de la revista Filmmaker en 2018. Pertenece al Flaherty Seminar del 2019 y se acaba de graduar del Bard MFA.

Lior Shamriz nació en 1978 en Ashkelon en el Este del Mediterráneo (Israel). A los 18, evitando el ejercito, se mudó a Tel Aviv; pasó una década en Berlín y ahora vive en California. A través del cine, instalaciones de múltiples pantallas, música, y performance participativo explora y cuestiona ideas sobre la sociedad,  el ser, y el cuerpo. Sus películas crean narraciones ensayísticas que utilizan el cine como performance y lenguajes cinematográficos como un proceso reflexivo de documentación. Sus films se han exhibido en numerosos festivales incluyendo Berlinale (2013,14,15),  Locarno, Sarajevo, MoMA’s ND/NF, BAFICI, Frameline, MixNYC, Torino y espacios como Washington DC National Gallery, Walker Art Center, Lincoln Center New York. Ha ganado diferentes premios incluyendo Oberhausen (2013,14,15). Fue nominado al Premio Max Ophueles, al premio Youg Art Film de la Germany National Gallery. Su trabajo tuvo una retrospectivas en Thessaloniki Intl FF, Berlin Israel Film Festival, y Ars independent Katowice. Ha tenido residencias artísticas en Taipei Artist Village, Seoul Museum of Arts Nanji, Geumcheon Seoul Art Space, y PAM Residencies Los Ángeles (2014) donde después se volvió parte del buro curatorial (2017-8).

Lior Shamriz was born in 1978 in Ashkelon on the East Mediterranean (Israel). At 18, skipping the army, moved to Tel Aviv; spent a decade in Berlin and now live in California. Through their cinema, multi-screens installation, music and participatory performance they explore and question ideas about society, being and the body. Their films create essayistic narrations that utilize cinema as performance and the cinematic languages as a process of reflexive documentation. Their films were shown at numerous festivals including Berlinale (2013,14,15), Locarno, Sarajevo, MoMA’s ND/NF, BAFICI, Frameline, MixNYC, Torino and venues such as Washington DC National Gallery, Walker Art Center, Lincoln Center New York. They are the winner of multiple awards including awards in Oberhausen (2013,14,15). They were nominated to the Max Ophuels Prize, shortlisted to Germany National Gallery Prize for Young Art Film. Their work had retrospectives at the Thessaloniki Intl FF, Berlin Israel Film Festival and Ars independent Katowice. Artist residencies at Taipei Artist Village, Seoul Museum of Arts Nanji, Geumcheon Seoul Art Space and PAM Residencies Los Angeles (2014) where they were later part of the curatorial board (2017-8).

Kristof Trakal (1988, Dresden) es un cineasta, escritor y artista participante basado en Berlín. A través de su proceso colaborativo, interrogación histórica e investigación interpersonal Trakal desarrolla películas, textos y animaciones que tratan con preguntas de autoridad, resistencia, y disidencia. Interesado en prácticas de juegos de rol, acción colectiva, y psicología de grupo, el trabajo de Trakal pone énfasis en el impacto de la producción del sujeto neoliberal, procesos post-socialistas y la tecnología de espionaje tienen en nuestras comunidades. El trabajo de Trakal se ha mostrado en el Museo de Fotografía de Berlín, Museum Folkwang Essen, Cinemateca Distrital Bogotá, Savvy Contemporary Berlin, Julia Stoschek Collection Düsseldorf. Recientemente Trakal participó en el Whitney Independent Study Program in New York.

Kristof Trakal (1988, Dresden) is a filmmaker, writer and participatory artist based in Berlin. Through collaborative process, historical interrogation and inter-personal research Trakal develops films, texts and installations that deal with questions of authority, resistance and dissidence. Invested in practices of role-playing, collective action and group psychology Trakal’s works put emphasis on the impact that neoliberal subject production, post-socialist processes and surveillance technology have on the formation of communities. Trakal’s work has been shown among others at Museum for Photography Berlin, Museum Folkwang Essen, Cinemateca Distrital Bogotá, Savvy Contemporary Berlin, Julia Stoschek Collection Düsseldorf. Most recently Trakal was participant at the Whitney Independent Study Program in New York.

Fabrizio Terranova is a filmmaker, activist, dramaturge and teacher at the École de Recherche Graphique in Brussels, where he launched and co-runs the Master’s programme in Récits et Expérimentation/”Narration Spéculative”. He is also a founding member of Dingdingdong, an institute dedicated to raising awareness around Huntington’s disease. His 2010 experimental documentary film Josée Andrei: An Insane Portrait screened internationally and was adapted into a book published by Les Éditions du souffle.

Fabrizion Terranova es un cineasta, activista, dramaturgo y profesor de la Escuela de Investigación Gráfica en Bruselas, donde a lanzado y co-dirige una maestria en Narración Especulativa. Es fundador también de Dingdingdong, un instituto dedicado a generar conciencia sobre la enfermedad de Huntingtong. Su documental experimental del 2010 Josée Andrei: An Insaine Portrait mostrado internacionalmente fue adaptado a un libre publicado por Les Éditions du souffle. Terranova recientemente publicó un artículo “Les Enfants du compost” in Gestes spéculatifs (Les Presses du réel, 2015) y el filme Donna Haraway, Story Telling for Earthly Survival.

Sobre IAFT (Interdisciplinary Art Festival Tokyo). En 2009 IAFT fue fundado, como una reencarnación de “Far East Audio Visual Socializations (FEAVS)”, para romper con la norma dominante de espacios y audiencias fijas; y para descubrir artistas que crean nuevos valores al ir más allá de las fronteras de la práctica artística. Presentamos artistas comprometidos con una práctica interdisciplinaria, creando nuevos valores que conectan a la gente al introducir más festivales dinámicos de arte que reflejan la sociedad contemporánea. Nuestro propósito es brindar perspectivas nuevas y libres que enriquecen a las personas con inspiración–expandiendo la oportunidad de artistas de presentar sus trabajos, al introducir arte experimental y de vanguardia. Nuestro objetivo es que creadores y espectadores se retroalimenten mutuamente: para construir los fundamentos de un nuevo arte, para rejuvenecer la escena del arte al mostrar artistas innovadores con conceptos claros y nuevas visiones.

About IAFT (Interdisciplinary Art Festival Tokyo). In 2009 IAFT was founded, as a reincarnation of “Far East Audio Visual Socialization(FEAVS),” to shatter the current norm of fixed spaces and audiences; and to discover artists who create new values going beyond the borders of artistic practice. We feature artists who engage in interdisciplinary practice, creating new values that connect people by introducing more dynamic art festivals that reflects contemporary society. Our purpose is to provide new and free perspectives that enrich people with inspiration – expanding the opportunity for the artists to present their works, by introducing experimental and avant-garde art. We aim for both creators and viewers to mutually share their feedback with each other: build the foundation for new art, and rejuvenate the art scene by featuring innovative artists with clear concepts and new visions.

Space One es un espacio independiente dirigido por artistas para apoyar a que artistas emergentes y artistas establecidos exhiban obras de arte experimentales contemporáneas en multiples disciplinas. Space One también es una red de artistas internacionales y espacios artisticos creando proyectos y oportunidades para el intercambio y la colaboración.

Space One is an independent, artist-run space committed to supporting emerging and established artists to exhibit experimental contemporary works of art in multiple disciplines. Space One is also part of a network of International artists and art spaces creating projects and opportunities for exchange and collaboration.